I 15 film più belli di Francois Truffaut

Ogni giorno portando un nuovo Francois Truffaut film al Collezione Criterion è buono, quindi ne consegue che oggi è una buona giornata. Anche se l'etichetta preferita di ogni cinefilo include già un'infarinatura della leggenda francese della New Wave, in particolare 'ldquo;Jules et Jim ”; e il Antoine Doinel serie, oggi vede il rilascio di una nuova edizione di “;La pelle morbida, ”; un film iniziale, spesso sottovalutato dal regista. Quindi, anche se l'anno scorso abbiamo lanciato una funzione di Essentials per celebrare la riedizione Blu-Ray di 'Jules e Jim, 'Tendiamo a cogliere l'occasione per scrivere di Truffaut. Abbiamo ampliato questa funzione in 15 titoli, elencati in ordine cronologico (sì, ci stiamo preparando per una retrospettiva completa ad un certo punto).



Truffaut passò da scolaro in fuga a cattivo ragazzo Notebook per cinema critico del cineasta acclamato selvaggiamente prima dei 27 anni e deceduto per un tumore al cervello di soli 52 anni - di conseguenza, la sua carriera a volte può sembrare breve se brillante. Truffaut ha lavorato molto nel suo quarto di secolo di lavoro, danzando tra autobiografia (la sua serie di Antoine Doinel), dramma criminale, tariffa d'epoca, commedia sleale e talvolta tutto quanto sopra. Dai un'occhiata alle nostre quindici foto preferite di Truffaut: se solo un lettore è ispirato a scoprire solo uno di questi film, oggi sarebbe stato un molto buona giornata.

“I 400 colpi” (1959)
'L'unico modo per criticare un film e per fare un altro film', il grande amico, rivale e collega di Truffaut Jean-Luc Godard una volta
disse. E per essere onesti, i due mettono i loro soldi dove sono
le bocche erano: dopo aver ribaltato l'istituzione critica con il suo lavoro presso
Cahiers du cinema negli anni '50, Truffaut si è trasferito in cortometraggi
1955 'Una visita, 'E dopo essere stato ispirato da Orson Welles' 'Tocco del male'Nel 1958, fece il suo debutto nel lungometraggio con l'autobiografico' I 400 colpi '. Mentre i coltelli dovevano essere usciti per la prima volta
Cannes, Truffaut ha avuto la migliore risposta possibile: ha reso glorioso
film, uno che ha trasformato il regista da critico del marchio del fuoco in uno dei
le più brillanti speranze del cinema. Attingendo alla sua adolescenza delinquente, il
il film è il primo dei cinque Truffaut realizzati per concentrarsi sul suo surrogato
Antoine Doinel (interpretato da Jean-Pierre Leaud, all'età di soli 14 anni e che ha incontrato il regista
attraverso un casting in un giornale), qui affrontando il peggior problema della sua giovane vita finora, come le difficoltà a
casa e scuola lo portano a tentare di rubare una macchina da scrivere dalla sua
patrigno, che lo porta ad essere arrestato e mandato in un centro per
giovani ragazzi turbati. Una sorta di risposta gallica al giovane arrabbiato
narrativa che stava emergendo quasi esattamente allo stesso tempo in tutto il
Channel and the Atlantic con 'Guardare indietro con rabbia' e 'Ribelle senza un motivo, '
è un'immagine profondamente commovente e umana che cattura come
esattamente come tutto ciò che è mai stato fatto gli effetti degli ormoni dilaganti quando hai quattordici anni e odi il tuo
genitori, i tuoi insegnanti e praticamente tutti, principalmente grazie alla sua focalizzazione laser su Antoine. Con ciò intendiamo Truffaut: questo è essenzialmente il cinema in prima persona, con il regista che dimostra in pratica ciò che era stato
parlando così a lungo in termini di teoria dell'autore. Con la distanza,
è facile dimenticare che petardo tecnico deve essere stato - anche con un budget limitato, il Cinemascope in bianco e nero sembra
assolutamente stupendo, e la sua padronanza di dove appare la sua macchina fotografica
dove taglia è immensamente sicuro. Il film, che ha vinto il Truffaut Best
Regista a Cannes (un festival dal quale è stato bandito come critico il
un anno prima), è dedicato a Altro Bazin, il grande critico
che era passato proprio mentre il regista si stava preparando per girare il film e
che era stato sia un mentore che qualcosa di salvatore per lui. Tutti abbiamo un
motivo per essere grati a Bazin.



“Shoot The Piano Player” (1960)
Godard ha seguito le orme del suo amico nei film con gli anni '60 'Senza fiato'
(che la coppia ha scritto insieme), ma lo stesso anno ha visto seguire Truffaut
il suo debutto con la sua giocosa foto noir, un adattamento di David Goodis'Romanzo'Laggiù. ”“ Spara al pianista ”
è una reazione definita contro 'I 400 colpi' - Truffaut considerato
quest'ultimo film era molto francese e voleva mostrare il suo amore per l'americano
cinema e calcio contro le aspettative, dicendo al momento “Volevo
per favore i veri appassionati di film e solo loro, anche se significava confondere di più
delle persone a cui è piaciuto 'I 400 colpi'. Alla fine, 'Spara al piano
Giocatore ', può confondere tutti, ma che importa.' Fedele a questa affermazione, il
il film è probabilmente il lavoro più sperimentale del regista, comunque
sperimentale potrebbe essere la parola sbagliata per questo: è un film giocoso,
birichino e irrequieto, e più comico di quanto ci si possa aspettare. La trama
si concentra nominalmente sulla stella del canto Charles Aznavour come il
musicista del titolo disegnato negli inferi per proteggere suo fratello,
ma Truffaut non potrebbe davvero essere meno interessato alla storia - c'è un
energia libera e a ruota libera più vicina a 'Hellzapoppin'' Di, diciamo, Nicholas Ray,
afferrare qualsiasi trasgressione e barra laterale porti il ​​regista
fantasia. Probabilmente dice qualcosa che l'intera seconda metà del
il film è composto principalmente da un flashback. Dovrebbe sembrare il classico
sindrome del secondo album —indulgente e autonomo — ma c'è
qualcosa di profondamente contagioso e divertente nell'immagine. Avendo fatto i conti con la media per la prima volta, ora è un regista
assunzione Orson Welles'proverbiale
best-train-set-a-boy-potrebbe-chiedere-per e costruendolo in loop-the-loop
e cavatappi. È probabilmente la foto più godardiana di Truffaut in alcuni
modi, ma come se Godard fosse cresciuto sul Marx Brothers e Ernst Lubitsch. Mentre è un fallimento critico e commerciale significa che il regista
non ha mai veramente ripetuto il suo esperimento, il DNA del film è presente in gran parte di ciò che segue.



“Jules Et Jim” (1962)
'Jules et Jim' del 1962
è il film che ha lanciato un migliaio di rom-com e un milione
anni di studio all'estero a Parigi, con la sua lirica storia lirica di un amore
triangolo tra due amici (Henri Serre e Oskar Werner) e una ragazza boema a ruota libera (Jeanne Moreau).
Probabilmente il film più popolare e accessibile di Truffaut oggi, molti
scene: la corsa attraverso il ponte della ferrovia, il salto nel lago, il
ritornello musicale di 'On's’est connus' - sono fonti ovvie per il
montaggi di deliranti capperi che passano in gran parte a storie romantiche
del cinema attuale. Ma 'Jules et Jim' è, tecnicamente e narrativamente parlando, un notevole
film avventuroso e complesso che Truffaut probabilmente non ha mai migliorato. 'Jules et Jim' è stato girato da Raoul Coutard, Il direttore della fotografia di Godard negli anni '60 e oltre Costa-Gavras'Su “;con” ;,
ed è quando guardi questo film che te ne rendi conto più di
uno dei registi della New Wave (e nonostante la loro fedeltà a
teoria dell'autore) fu Coutard a liberare la macchina da presa e a trasformare il tutto
sensazione di cinema nei primi anni '60, riprese di 'Jules et Jim'
da un punto di vista su una bicicletta in movimento. Ma mentre lo stile è
l 'atmosfera ipermoderna e ribelle si sente molto anni '60, il
il cuore sottovalutato di 'Jules et Jim' è storico. Jules et Jim
fondatori dell'amicizia in parte sulla questione di Catherine, ma altrettanto sul fatto che Jim è austriaco, Jules è francese e il film prende
posto prima, durante e dopo la prima guerra mondiale: è incredibile come
facilmente questo viene dimenticato dalle persone che pensano agli abiti di Moreau come a
l'ultima parola negli anni '60 è fantastica. Sebbene ne contenga solo alcuni
momenti di cinegiornale dalle trincee, 'Jules et Jim' è una delle grandi guerre e
film contro la guerra, lassù con 'La grande illusione' e Powell e Pressburger ’;s “;La vita e la morte del colonnello Blimp”;
(da cui prende in prestito le basi della sua trama) come una dichiarazione sul
pietà e futilità della guerra europea. Come tale, è stranamente
film vecchio stile che si trova a disagio accanto al resto del Nuovo
Le fantasie di Wave di violenza rivoluzionaria. Ma è da quello
sullo sfondo della storia e della tragedia personale che 'Jules et Jim' ottiene
profonda profondità emotiva, che lo rende un film affascinante molto tempo dopo
le innovazioni tecniche sono state assorbite dal mainstream.

'La pelle morbida'. (1964)

stanley kubrick: una vita in immagini

L'ottavo film di Truffaut a ricevere il trattamento Criterion, 'La pelle morbida' è la scelta perfetta per la rivalutazione, soprattutto perché è divisa in due parti
parere sul rilascio. Non ha aiutato a seguire uno dei più
corse spettacolari nella storia del cinema con le ultime tre di Truffaut
i film da solista sono 'Jules et Jim', 'Shoot the Piano Player'
e 'I 400 colpi'. Ma in contrasto con l'ebullience e
la sperimentazione di 'Jules', 'La pelle morbida' sembra classica, quasi dura
a volte, una meticolosa interpretazione quasi procedurale del melodramma è notevole
per il suo sguardo freddo e livellato sulla moralità dei suoi personaggi. Seguendo Pierre
(Jean Desailly), uno studioso Balzac celebre sposato, di mezza età
mentre intraprende una relazione con la hostess Nicole (Francois Dorleac)
Truffaut sembra avere il controllo assoluto, in qualche modo infondendo humdrum
episodi con la tensione di un thriller e gli scambi più banali
con lampi di intuizione a diamante. Pierre e Nicole (che per inciso
è l'oggetto della linea 'Tu dors Nicole?' che è stato preso in prestito come
titolo per Stephane LafleurIl meraviglioso film del 2014 che abbiamo recensito da Cannes)
riconnettersi a Parigi, e se i ritmi di questa relazione sono drammatici
segnato come se fosse un mistero di omicidio, il 'pezzo forte' centrale è
senza dubbio il loro abortivo viaggio a Reims durante il quale il fumetto oscuro
conseguenze, i semplici inconvenienti e le umiliazioni che ne derivano
situazione visita su di loro vengono riportati a casa in vigore. Come spesso accade
dettagli domestici come un paio di calze o l'impossibilità di essere maleducati
una conoscenza irritante che mette a dura prova i loro piani e conduce al
inconfondibile emasculazione del lieve pomposo Pierre. Ma poi nel
terzo finale, un'esca-e-interruttore più inaspettata si presenta come la moglie di Pierre
Franca viene messa a fuoco: catturare le sue bugie, tramare vendetta,
urlando per un brivido per strada in un brillante richiamo a Nicole
proposto in precedenza. All'improvviso, sembra non molto
il film sperimentale è infatti molto, solo su una meta, narrativa
livello poiché è solo tardi che Franca emerge come forse il vero principale
personaggio. Ed è solo al punto di morte che il film
viene il ruggito pieno di sangue alla vita, in un climax costruito su impaziente
trasversale che avrebbe fatto Alfred Hitchcock orgoglioso. Elegante, imperfetto
e profondamente assorbente.

" The Bride Wore Black ”; (1968)

Basato come l'anno seguente ’; s “;Mississippi Mermaid”; su un romanzo di
scrittore di crimini Cornell Woolrich, &Thedown; The Bride Wore Black ”; è apparentemente una delle offerte più polpose di Truffaut: una storia di vendetta pura con un
protagonista iconico che molti hanno indicato come fonte d'ispirazione per “;Uccidi Bill”;
(anche se Quentin Tarantino negato di averlo mai visto). L'immagine ha sicuramente
un piede nel mondo del genere, ma nelle mani di Truffaut si trasforma
qualcosa di completamente più strano e più inquietante, e sebbene non lo sia
del tutto riuscito, è affascinante lo stesso. Il film si apre con
la vedova colpita dal dolore e vestita di nero Julie (Jeanne Moreau, riuniti con
Truffaut per la prima volta da quando 'Jules et Jim' tenta di uccidere
se stessa, le è stato impedito di farlo solo da sua madre. Invece lei
canalizza il suo dolore in una furia ruggente di vendetta contro i cinque
gli uomini (che includono il personaggio attore preferito come Michael Lonsdale e Charles
Denner)
che ha ucciso suo marito il giorno del loro matrimonio. Potrebbe essere semplice
tariffa di sfruttamento e fu venduta un po 'come tale, ma Truffaut
complica le cose, introducendo un gradito elemento di ambivalenza morale:
i cinque uomini non stavano prendendo di mira il defunto signor Julie ma gli hanno sparato
accidentalmente quando si crogiola con un fucile carico, facendo Moreau
ricerca nettamente più ombreggiata della media della saga di vendetta (la scena in
che sigilla il padre di famiglia di Lonsdale in un armadio sotto le scale
e lo lascia a soffocare è decisamente terrificante). Ci sono anche alcuni
astuzia se non quasi obliquo l'uso della metafora in gioco, con ogni uomo
rappresenta un modo diverso in cui gli uomini possono opprimere, manipolare o
condannare le donne, con Moreau che usa la sua sessualità per causare la loro
rovina. Più di tutti gli altri suoi primi film, 'La pelle morbida'.
incluso, questo è Truffaut che rende omaggio allo stile del suo idolo
Hitchcock (fino a a Bernard Herrmann punteggio), ma è molto
regista diverso, e la dicotomia non funziona abbastanza: Truffaut ha ottenuto un
stile più sciolto e qui almeno non lo è
come interessato a creare la suspense con precisione del suo eroe.
Forse di conseguenza, Truffaut era per lo più d'accordo con la reazione negativa
della critica francese, ritenendo che il film fosse nella migliore delle ipotesi uno sforzo compromesso
(era il suo primo a colori e si scontrò con DoP di lunga data Raoul
Coutard,
secondo quanto riferito, la sensazione di non aver dato agli attori e al tono
sufficiente attenzione di conseguenza). Ma mentre è senza dubbio un po 'di più
usa e getta rispetto ad alcuni dei suoi lavori, è ancora affascinante, ricco
foto con molto più da scompattare rispetto al thriller di vendetta medio.

otto ore non fanno un giorno

“Stolen Kisses” (1968)
Truffaut aveva ripreso la storia di Antoine Doinel con il cortometraggio del 1962 'Antoine e Colette, 'Il suo contributo sinuoso e leggero all'immagine dell'antologia'Love At Twenty'Ma l'alter ego del regista ha avuto il suo prossimo vero lungometraggio da quasi un decennio da' The 400 Blows 'con' Stolen Kisses 'del 1968'
e potrebbe essere solo la più bella delle foto di Doinel. Dopo aver flirtato
con l'idea di mettere Jean-Pierre Leaud e il suo personaggio in una sceneggiatura
come 'Spara al pianista' o Godard 'Bande A Part' e
ha iniziato a lavorare su una sceneggiatura scartata basata sui suoi primi giorni in
giornalismo, Truffaut rende invece il nostro eroe una ventina alla deriva disonorabilmente dimessa dall'esercito, fluttuando tra una serie di lavori
viene rapidamente licenziato (incluso un periodo memorabile come privato
detective), e girando in tondo attorno alla sua fidanzata Christine (una deliziosa Claude Jade, che avrebbe continuato a recitare nel film di Hitchcock 'Topazio'), Mentre brama anche la moglie del suo capo (Delphine Seyrig).
È un film più libero e meno focalizzato di 'Blows' o 'Antoine &
Colette ', con una struttura simile a una farsa (di nuovo
Lubitsch e anche Preston Sturges sentiti presente sotto la superficie e guardarlo ora rivela che si tratta di un'evidente influenza su 'Frances Ha').
Aiuta il fatto che Leaud, al momento 24, sia diventato enormemente impressionante
interprete, con abile tempismo comico e abilità nel fare
il pubblico si identifica esattamente come Truffaut chiaramente. Mentre è un
sequel diretto di 'I 400 colpi', ha spiritualmente tanto in comune
con 'Shoot The Piano Player', dai leggeri simboli noir del
le scene poliziesche all'improvviso, ma del tutto efficace, cambiano tono.
Le seguenti foto di Doinel, 'Vitto e alloggio'E il 1979'Love On The Run, '
vale assolutamente la pena anche guardarlo, ma il personaggio è al massimo
arricchito e pienamente realizzato nel fulcro della sequenza qui.

“The Wild Child” (1970)
Lasciando alle spalle le preoccupazioni di genere del suo lavoro di fine anni '60 (i thriller di 'La sposa indossava il nero' e 'Mississippi Mermaid, 'La fantascienza di'Fahrenheit 451') Per tornare al tema dell'infanzia, Truffaut'Il bambino selvaggio'
segna il suo primo pezzo d'epoca da quando Jules Et Jim ”; e qualcosa del genere
di un seguito spirituale di 'I 400 colpi'. L'idea di un
bambino incontrollabile aveva interessato Truffaut per qualche tempo
(aveva cercato di ottenere i diritti di 'The Miracle Worker,' di Helen Keller, nei primi anni '60, ma fu battuto a pugni da Arthur Penn), e ispirato a un articolo su Le Monde, ha sviluppato la storia di Victor of Aveyron (Jean-Pierre Cargol), emerso all'inizio del XIX secolo dopo aver apparentemente trascorso la sua infanzia senza alcun contatto umano. Il
il risultato è abbastanza notevole: un'immagine tranquilla e intima
diverso da qualsiasi cosa il regista avesse fatto prima. Evitando la maggior parte di
le tecniche che ha reso popolare con l'avvento della New Wave francese,
c'è invece uno scarso, quasi documentario sentimento nei procedimenti che
sembra più vicino Bresson che a Godard e alla ricchezza di
i temi che lo contraddistinguono come ovvio riposte per chi trova il
regista leggero; è un film sul
bellezza dell'educazione, ma anche uno che mette in discussione il costo al quale
l'istruzione potrebbe venire. Il che rende il film più punitivo di quello che è,
perché è anche pieno di bellezza, calore e umorismo tanto quanto il
altri film del regista. E riesce anche a farlo sentire personale,
in parte perché, nel suo primo ruolo da attore principale, si è scelto come Dr.
Itard, il medico che accoglie il ragazzo e la cui narrazione (spesso
derivato dalle note dell'ispirazione della vita reale) racconta la storia. Suo
non un tocco egotistico, tuttavia. Sebbene il suo personaggio sia compassionevole, il film di Truffaut rimane un po 'scettico in quanto tale,
ma il casting mostra chiaramente come avere a cuore il film, uno dei
il suo meglio, deve essere stato.


“Bed and Board” (1970)

Il quarto film (incluso un cortometraggio) in Antoine Doinel di Truffaut
serie (che ha fatto il 'fanciullezza“Trucco originale di casting attore protagonista
Jean-Pierre Leaud nel ruolo di Doinel in varie fasi della sua vita, dalla giovinezza a
ai suoi primi anni trenta), 'Bed and Board' continua nelle frizzanti, schiumose
vena di 'Stolen Kisses', ed è praticamente scoppiato nelle cuciture con
buon umore contagioso e gioia di vivere molto simile, anche quando il
vivere non è facile. Qui riprendiamo con Doinel dopo il suo matrimonio con
Christine (Claude Jade), che aveva trascorso l'ultimo film a corteggiarlo
a casaccio, in modo shambolico, e qui fa il matrimonio in modo simile
la moda, facendo tintinnio allegramente mentre insegna violino
e ha un lavoro senza senso tingere fiori per un negozio d'angolo. Si verificano piccoli e grandi eventi: Christine rimane incinta (una rivelazione consegnata
in tre semplici scene che sono una masterclass in economia,
narrazione serio-comica); Antoine atterra accidentalmente un nuovo lavoro; un'
il vicino sinistro risulta essere una star della TV; Antoine si innamora di a
Donna giapponese (Hiroku Berghauer) e inizia una relazione; e Christine
lo scopre. Eppure queste buffonate della soap opera sono consegnate con il cuore, l'arguzia e le influenze del marchio Truffaut: l'appartamento
il blocco ricorda quello di Hitchcock 'Lunotto“; il modo in cui il
i vicini chiacchieroni tacciono quando l'uomo sinistro cammina
appena uscito da Lubitsch'S 'Ninotchka.'Ma gran parte del
l'irrefrenabile ottimismo del film scaturisce dal fascino dello stesso Doinel: a volte è così stravagante e così poco apparentemente infantile che è impossibile
disprezzare anche quando è crudelmente crudele nei confronti del suo adorabile,
moglie del sole. La chiave di Doinel nei film dopo 'I 400 colpi' è
sempre solo questo: può essere egocentrico e petulante, ma lo è
quasi interamente senza malizia, che si riassume perfettamente nella scena in cui
lascia ripetutamente il tavolo della sua padrona per lamentarsi di lei
telefono alla moglie estranea. C'è così tanto spirito qui, ma anche saggezza, che dà a 'Bed and Board' una sostanza di speranza
sotto la sua vertiginosa superficie: l'ultima volta che Doinel stava negoziando il
insidie ​​della passione giovanile, ma qui Truffaut ha una visione altrettanto dolce
del tipo di relazione evocata dall'immagine di Antoine e Christine semplicemente
leggere fianco a fianco nel letto prima che le luci si spengano, anche se sono libri di lettura
pertinente ai loro oggetti segreti della lussuria, naturalmente.

“Two English Girls” (1971)
Dato
che 'Jules Et Jim' è stato uno dei suoi più grandi successi, non si può incolpare
Truffaut per essere tornato all'autore del materiale sorgente di quel film, Henri-Pierre Roche
(che aveva notoriamente 74 anni quando ha iniziato la sua vera carriera di scrittore) e adattando il secondo
dei suoi due romanzi principali sullo schermo. Ma è ancora sorprendente che,
nonostante 'Two English Girls' ruota anche attorno ad un amore
triangolo, si sente selvaggiamente diverso dal suo predecessore mentre altrettanto
essenziale nel canone di Truffaut. Come potrebbe suggerire il titolo, questa volta
la storia ruota attorno a un giovane e alle sue storie d'amore con due
Le donne britanniche - in questo caso Claude (Jean-Pierre Leaud, inventando una creazione abbastanza distinta da Antoine Doinel), che si innamora del verginale e malato Muriel Brown (Stacey Tendeter)
solo per una separazione forzata può portare a una relazione con lei
sorella maggiore Ann (Kika Markham). Nonostante il suo rapporto con 'Jules Et Jim', questo film trova molto più di un pezzo compagno di 'The Wild Child', sfruttando un'ambientazione d'epoca e un
sensazione più tranquilla, più letteraria, grazie in parte al pesante uso di
narrazione e lettere. 'Jules Et Jim' sembrava un film sull'essere presenti
il cuore di una relazione amorosa, ma 'Two English Girls' è più triste
e pezzo malinconico, guardando indietro molto tempo dopo il fatto. Non che lo sia
privo di passione, la scena in cui Claude e Muriel finalmente dormono
insieme è una delle scene più memorabili e strazianti di Truffaut
mai sparato. E nonostante la sua malinconia, è anche molto divertente in alcuni punti.
Insieme a 'The Wild Child', 'Two English Girls' segna la fine di
Il periodo del giovane selvaggio di Truffaut, ma dimostra che il suo ingresso
la mezza età potrebbe portare a un lavoro altrettanto gratificante di qualsiasi cosa venisse
prima.

“Day For Night” (1972)
Probabilmente il più grande film di sempre sulla realizzazione di film, 'Day For Night'
è la lettera di amore / penna avvelenata di Truffaut al
medium che ha dominato la sua vita adulta. Abbastanza appropriatamente, lo è anche
uno dei suoi capolavori in oro massiccio. Ricco e quasi romanzo, il film descrive in dettaglio la realizzazione di un dramma d'epoca dall'aspetto piuttosto terribile chiamato “Meet
Pamela ”, uno scatto così pieno di drammi e disastri che renderebbe pari Terry Gilliam
un po 'terrorizzato, come il regista (interpretato dallo stesso Truffaut)
lotta con problemi sia minori che maggiori e il cast e la troupe fanno
fuori, sciogliersi e truccarsi a vicenda. Liberamente strutturato senza
essere grassi (è una specie di precursore dello stile che Robert Altman
si stava sviluppando nello stesso periodo), è più vicino a
oltre un decennio di aneddoti di un libro di memorie definitivo, ma è tutto
più divertente per questo, con un cast stellare (incluso Jean-Pierre Leaud in una rara e in qualche modo meta non-Antoine Doinel come giovane attore, il migliore in carriera Jacqueline Bissete in un curioso cameo, Graham Greene)
godendo chiaramente della possibilità di inviare se stessi e il loro
colleghi. Pochi film hanno catturato il dramma noioso, combattivo e insaponato
e il panico sobrio di rendere davvero un film migliore, e ancora meno lo sono ancora
ha mostrato la magia e l'inganno coinvolti nella ripresa di un film anche come
caotico e mediocre come 'Meet Pamela' —Truffaut evidenzia l'artificio
della sua stessa tecnica mentre si sofferma su quella del
film-nel-film. Il film è incredibilmente caduto in disgrazia
un po 'negli ultimi anni, ma lo è
uno dei risultati migliori e più divertenti di Truffaut. Il punteggio di
collaboratore frequente Georges Delerue è anche una delizia, comunque.

“The Story of Adele H” (1975)

'Una composizione musicale per uno strumento' è stato descritto da Truffaut
'La storia di Adele H', e non è un eufemismo per quanto riguarda la centralità
del luminoso, allora diciannovenne Isabelle Adjani nel ruolo del titolo.
Ma basato sui veri diari di Adele Hugo, la figlia più giovane
del famoso Victor Hugo che soffriva di una forma acuta di erotomania (e forse di schizofrenia), che la portò alla follia quando l'oggetto
della sua ossessione l'ha respinta a seguito della loro breve avventura, quella di Truffaut
il film è molto meno austero di quanto possa suggerire quella descrizione. In realtà, si tratta di una saga del periodo selvaggiamente e grandiosamente appassionata che deriva la sua bellezza sbalorditiva daDays of Heaven'DP Nestor Almendros'
macchina da presa immacolata e l'eccezionale scenografia e costumi, nonché il volto straordinario di Adjani: entrambi straordinariamente giovani e
espressamente tormentato dappertutto. Mentre
non c'è attività soprannaturale, 'Adele H' sembra una storia di fantasmi,
con Adele che si comporta come una donna posseduta, mentre segue il suo tenente amante
Pinson (altrettanto sorprendente Bruce Robinson -sì, quello Bruce Robinson che
dirigerà in seguito 'Withnail e io“) Da un continente all'altro, assumendo false identità prima di abbandonare completamente i suoi sensi
ed essere consegnato in un manicomio per quaranta anni (13 anni dopo, Adjani
interpreterebbe anche Camille Claudel, un altro francese notoriamente instabile
eroina che ha vissuto per decenni in un'istituzione mentale). 'Adele H' può
sembra atipico per Truffaut, con il suo corsetto, apertamente espressivo
esibizioni contrarie al moderno, accresciuto naturalismo che era
meglio conosciuto per. Eppure è un simile falso confronto che afferma 'The Age of Innocence' non è un vero Scorsese film: Truffaut
lo stile omagico è evidente anche qui (anche se forse fa riferimento al
Hitchcock di 'Rebecca' o 'Jamaica Inn'Piuttosto che qualsiasi altro) e il
grazia senza sforzo con la quale rende questo sontuoso, fortemente messo insieme
il melodramma così compulsivamente guardabile è inconfondibile. Adesso è noto
in gran parte per la svolta di Adjani: è la prima di molte donne pazze
avrebbe recitato nella sua illustre carriera, ma 'La storia di Adele H'
merita un'altra occhiata per quanto riguarda il canone di Truffaut. Suo
probabilmente il più vicino che sia mai arrivato a una 'foto di donne' a tutti gli effetti
praticamente si alza con il dramma emotivo.


“Small Change” (1976)
La sezione conclusiva di una trilogia non ufficiale sull'infanzia è iniziata con 'The 400 Blows' e si è conclusa con 'The Wild Child', 'Small Change'
è il culmine di quasi vent'anni di lavoro: Truffaut era iniziato
prendere appunti per un progetto che combinerebbe una serie di storie su
infanzia a metà degli anni '50 (il suo cortometraggio '57'The Mistons' venne fuori
di quelle note). Senza molto bisogno di metterlo nella narrativa, il
il film non è composto così tanto da episodi di cui è frammenti
le vite di un gruppo di bambini, e in mani minori questo avrebbe potuto facilmente
ha minacciato di scivolare in una sorta di versione highbrow di 'I bambini dicono le cose più cattive. '
Ma qualsiasi conclusione in tal senso sarebbe sottovalutare selvaggiamente l'abilità di Truffaut. Pendente
ancora di più nel docudrama di 'The Wild Child', questo film ha una sorta di
sensazione improvvisata, suggerendo che questi non sono attori (che loro
no), ma i bambini veri saltano sullo schermo per alcuni minuti a
tempo. E fortunatamente i bambini sono meravigliosi, dal cuore spezzato,
Julien simile a Antoine Doinel nell'interazione quasi silenziosa, commedia-esque
tra un bambino di 2 anni e un gattino vicino a una finestra pericolosamente aperta. Raramente
per un film interamente sui bambini (pochi genitori o insegnanti fanno
appare ma come giocatori di supporto), c'è poco
sentimentalizzazione o santificazione dell'infanzia: questi sono solo bambini
essendo bambini, raccontando storie sporche che non capisci davvero
imparare a badare a se stessi. Permettere a suo figlio di essere se stesso
lo schermo è una proposta difficile, ma funziona —indeed, Steven Spielberg, che ha lavorato con il regista subito dopo 'Incontri ravvicinati di un terzo tipo', Afferma di aver imparato a dirigere i bambini grazie al consiglio di Truffaut.

“The Green Room” (1978)
Truffaut
il più grande disastro finanziario e un film molto più cupo e oscuro di
la maggior parte delle sue opere è anche una delle sue migliori, e sicuramente una delle sue
più sottovalutato. Adattarne due Henry James storie brevi, 'L'altare dei morti' e 'La bestia nella giungla', Questo film vede Truffaut come un giornalista ossessionato dalla morte e traumatizzato sopravvissuto alla prima guerra mondiale che incontra Cecilia (Nathalie Baye)
una donna più giovane che bazzica nello stesso cimitero. Truffaut (chi era
a soli sei anni dalla sua scomparsa) era diventato sempre più
preoccupato per la morte, in particolare dopo la scomparsa della Cinematheque
Regista francese Henri Langlois e amico Roberto Rossellini e dopo aver visto 'Shoot The Piano Player' e aver realizzato quella metà di
quelli sullo schermo non erano più vivi. La domanda su come noi come
la società onora i morti è diventato un grande interesse del regista, che
è culminato in questa immagine inquietante e modesta che sembra provenire interamente da un regista diverso. Come il lavoro di un discreto
ateo impegnato, è un'immagine straordinariamente piena di sentimento e riflessiva
è il trattamento della morte e del dolore, ma il suo marchio di fabbrica non lo è mai
lontano dalla superficie e dal lento, graduale legame tra Truffaut
La Cecilia di Julien e Baye e la loro costruzione di un santuario insieme lo sono
uno degli aspetti più toccanti dell'intera opera del regista. Annuendo a
Bergman in tema e Tarkovsky in forma (la fotografia di frequente
collaboratore Nestor Almendros, che era il go-to di Truffaut per il suo
tariffa più 'seria', potrebbe essere il più sorprendente di tutti i suoi film),
è un emarginato definito nella sua carriera e probabilmente il suo meno accessibile
film, ma è tanto più gratificante quando passi un po 'di tempo con esso.

'La donna della porta accanto' (1981)

Truffaut iniziò gli anni '80 con uno dei suoi più grandi successi, il
Botteghino candidato all'Oscar e vincitore di numerosi premi Cesar “;L'ultima metropolitana. ”;
Alcuni fan di Truffaut penseranno che sia una bestemmia, ma in realtà siamo
più affezionato al follow-up del regista, la sua seconda collaborazione con
stella Gerard Depardieu, la relazione tesa e bassa di Hitchcockian
tragedia 'La donna della porta accanto'. Sviluppato da un progetto non realizzato dal
primi anni '70 chiamati “;On The Rails”; quello avrebbe unito Jeanne Moreau
e Charles Denner e vagamente riff sul mito di “;Tristan &
Isolde
, ”; il film vede Depardieu nel ruolo di Bernard, la cui esistenza con la sua
moglie (Michele Baumgartner) e i bambini vengono interrotti quando una coppia
spostare la porta accanto: la nuova sposa di Philippe (Henri Garcin) è Mathilde
(Fanny Ardant nella sua prima performance sul grande schermo: lei e Truffaut
si sono sentiti coinvolti romanticamente durante la produzione ed erano insieme
fino alla sua morte), il suo ex-amante da una decina di anni prima. Era
chiaramente un affare instabile, appassionato, e i due tentano di evitare
l'un l'altro inizialmente, ma è chiaro dal modo in cui nessuno dei due menziona
la loro storia ai rispettivi coniugi che
finiranno per essere attratti l'uno dall'altro con terribile
conseguenze per tutti i soggetti coinvolti. Detto in modo quasi mitico dai disabili
Madame Jouve, proprietaria del tennis club (Veronique Silver), che porta il
cicatrici di una storia d'amore sfortunata (Truffaut ha aggiunto il dispositivo di inquadratura in
post-produzione, ed è difficile immaginare il film senza di esso), è uno
delle foto più scure del regista, che ricordano il tardo periodo
Hitchcock e un tentativo molto più riuscito di catturare il maestro
stile di, diciamo, “;La sposa indossava il nero, ”; completa con un elegante tragico e
sceneggiatura tesa e inquadratura controllata e attenta aiutata da una formidabile
fotografia di William Lubtchansky (“;olocausto”;). E a Depardieu
(attorno al quale Truffaut voleva costruire un film dopo la sua parte più piccola in
'L'ultima metropolitana' e Ardant, Truffaut aveva due dei migliori
spettacoli che ha mai ricevuto: il primo un lugubre amichevole
chi tiene rinchiuso il suo lato appassionato, il secondo si dirige impotente
qualcosa che sa sarà un disastro. Il
il film trova la sua metafora perfetta mentre Depardieu e sua moglie ascoltano a
coppia di gatti urlanti: stanno combattendo o stanno scopando? È a
linea sottile al centro di uno dei più
film sottovalutati nel canone di Truffaut.

nuovi spettacoli 2016

“Confidentially Yours” (1983)
Questo
è probabilmente una scelta controversa in alcuni settori, ma staremo in piedi
esso: il film finale di Truffaut è innegabilmente un'opera minore, ma
in retrospettiva si sente sottovalutato (anche da Truffaut, che
lo ha respinto) ed è forse il suo per lo più pienamente realizzato e divertente
esperimento nel crimine noir. Basato su 'Il lungo sabato notte'Di Charles WIlliams (che ha anche scritto il libro che 'Dead Calm'Era basato su), è una subdola inversione del genere mystery thriller, che vede Barbara (Fanny Ardant), il segretario dell'agente immobiliare Julien (Jean-Louis Trintignant), intervenire per cancellare il nome del suo capo quando è accusato di aver ucciso l'amante di sua moglie. Annuendo più a qualcosa come 'The Thin Man'
e perfino una commedia a palla (Truffaut chiese ad Ardant di eseguire le sue battute
alla massima velocità), è anche un ritorno all'influenza di Hitchcock che ha avuto
preso posto a quel punto. Ma mentre 'La sposa indossava il nero'
a volte sembrava imitazione piuttosto che omaggio, “in modo confidenziale
La tua 'sembra al 100% un'immagine di Truffaut. Il
la fotografia in bianco e nero conferisce maggiore autenticità: spesso sembra che potrebbe essere una gemma perduta di un'era precedente che è
in qualche modo appena scoperto. È forse tanto più commovente come
il film è chiaramente una lettera d'amore molto sentita ad Ardant. Aveva Truffaut
rapporti con molte delle sue protagoniste, ma nessuna è più
ardentemente ha reso omaggio a Ardant. Mentre
è allettante desiderare che Truffaut abbia concluso la sua carriera con una nota di stima, sarebbe difficile negarglielo, anche se non è stato molto divertente.

Menzioni d'onore: Potresti argomentare che Truffaut non ha mai
fatto un film davvero brutto, ma non abbiamo avuto il tempo di coprire tutto
qui (sebbene guardi questo spazio per quella retrospettiva completa qualche volta
presto). Ma in breve, ci sono anche primi pantaloncini “;Una visita,”; “;Il
Creatori del male
”; e “;Una storia di WateR ”; (quest'ultimo co-diretto con
Godard), insieme a 1961 ’; s “;The Army Game”; co-diretto con Claude di
Givray
e 1962 's “;Antoine e Colette, ”; il suo segmento di “;Love At
Venti
”; film portmanteau e il secondo film nell'Antoine Doinel
sequenza.

film brexit hbo

1966 ’; s Ray Bradbury adattamento e debutto in lingua inglese di Truffaut “;Fahrenheit 451”; ha una reputazione come un incendio, ma è ancora un
quadro interessante e potente che è stato ottenuto nel rispetto critico
gli anni. 1969 ’; s “;Mississippi Mermaid, ”; isn ’; t
efficace come The Bride Wore Black ”; ed è sicuramente uno dei
le iniziative meno riuscite del regista, sebbene abbia ancora elementi che
cantare, in particolare il lead passa Jean-Paul Belmondo e Catherine
Deneuve.

Comparativamente parlando, 1979 's “;Love On The Run”; sembra il minore,
clip-show-esque più vicino alla serie Doinel, ma 1972 's “;Tale splendido
Kid Like Me
”; potrebbe essere il suo film meno degno, un mix disomogeneo di criminalità
film e farsa che hanno momenti forti ma non funzionano nel loro insieme.
1977 ’; s “;L'uomo che amava le donne”; funziona molto meglio come commedia ma ha
invecchiato meno bene di alcuni dei film del regista, mentre il 1980 'è invecchiato'L'ultimo
metropolitana
”; è per alcuni dei suoi più grandi capolavori, ma per noi lo è
piuttosto più importante e autocosciente di prestigio rispetto al
altro output del regista. Qualcosa che pensi avrebbe dovuto fare la nostra lista?
Facci sapere nei commenti, perché potremmo parlare Truffaut tutto il giorno. - C'erano Lyttelton, Jessica Kiang, Ben Brock









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